走進國家攝影文化中心《虛空之境：當代攝影中的領土與都市凝視》展場，迎面而來的並非攝影對風景的單純凝視，而是一場橫跨地景、記憶與感知的深層提問。這不是一場關於地圖的展覽，而是關於觀看的方式、記憶的存放與遺失的場所。

本展命名中的「虛空」（vanités）來自十七世紀荷蘭繪畫中對生命短暫與無常的反思，今則延伸為對當代世界的不確定感：我們所處的現實，看似穩固，實則如影如幻。這樣的反思貫穿整體策展視覺語言，不僅是對自然、都市與科技的凝視，更是對身分、記憶與存在本身的逼問。

本展架構以「領土」與「都市」為雙軸主題，集結歐陸與台灣的攝影實踐，開展一場穿越語境與歷史的觀看對話。

在〈人造自然〉單元中，攝影揭示自然作為歷史與文化建構物的本質。列蒂齊亞・勒福爾（Letizia Le Fur）的〈逃逸〉猶如一扇窗，召喚觀者回望自然的起源；塞琳・克拉內內（Céline Clanet）以顯微攝影與夜間動物的凝視，使觀者進入神秘、原始而不可知的自然維度。這些作品顛覆我們對「自然」的理解，提示自然從未純粹，總是文化與慾望的投射結果。

彭一航的《野餐》系列從台灣外食文化切入，拍攝餐廳牆上的巨幅風景壁畫，這些來自網路圖庫的圖像成為都市人對「他方」的想像。他更從風水視角解析，水象徵財、山象徵靠山，壁畫不只是裝飾，而是集體祈願的文化載體。此系列既是對人造自然的反思，也呈現了自然如何在都市資本語境中被標準化與神話化。

〈擴增實境〉展間轉向城市視角，揭示其作為記憶與權力交織的實驗場域。阿蘭・比布萊克斯（Alain Bublex）與弗雷德里克・德朗格（Frédéric Delangle）皆視城市為被「塑型」的主體，透過拼貼與虛構建構出烏托邦與反烏托邦之間的臨界風景。德朗格以黑白攝影拍攝巴黎街景，將影像郵寄給世界各地藝術家，邀請其在畫面上描繪自己所熟悉的城市風貌，使巴黎街頭與全球城市交錯重疊，產生跨地緣與記憶的都市聯想。

周慶輝則聚焦台灣城市的可見與不可見。他蒐集警方違規取締攝影畫面——原本屬於監控與治理的圖像——轉化為對都市秩序、流動與隱形權力的隱喻。那些看似冷靜、流暢、匿名的街景，其實也是城市呼吸與變動的寫照。他的「當代城市肖像」不再描繪城市表象，而是感知、節奏與記憶流動的視覺痕跡。

〈地質失調〉單元聚焦人類與地景之間日益模糊的界線。張志達《Tattoo on the Earth》系列將地表標線視為人類在自然上的「刺青」，這些交通符號在視覺上構築出節奏與張力，也召喚我們思考：這些痕跡是否承載著人對自然的理解，或只是某種操控與慾望的表徵？

艾曼紐・布朗（Emmanuelle Blanc）則透過《波動》《未知》《石墨》三個系列，揭示自然地景的潛流與縫隙。《波動》讓山體在水紋與岩理中彷彿開始顫動，《未知》則捕捉霧中山體消隱的瞬間，《石墨》則以積雪覆蓋山形，營造出時間凝結的視覺懸置。這些作品共同勾勒出一種微觀卻深沉的地質敘事，提示我們：地景不再是穩固不變的自然，而是一種被持續編碼、解構與重塑的感知場域。

〈水泥哀歌〉展區，攝影師凝視城市發展下的被遺忘之地。陳伯義深入桃園眷村與高雄海山社區，以鏡頭捕捉建築傾頹的瞬間。這些影像承載著「仍是廢墟」與「即將成為塵土」之間的懸念，反映都市邏輯下記憶的邊界。

亞歷克西亞・費亞斯科（Alexia Fiasco）與艾迪特・魯（Edith Roux）則以瓦礫、磚塊為媒材，轉印與雕刻居民的影像，使之成為失落記憶的具象載體。從糖果盒到壁紙，從私人物件到可視檔案，她們將廢墟化為記憶的容器，也是一場關於消逝與告別的儀式。

劉文瑄進一步將影像解構為裝置，轉化為蛋形物件，象徵著破殼與重生，呈現記憶雖被摧毀，其精神仍可化為另一種生命形式。

在〈踏查表象〉展間中，台灣藝術家姚瑞中以《巨神連線補遺》回應地景攝影的既定框架，幽默拆解地方神祇與都市空間錯置的關係。他筆下的荒謬並非逃避現實，而是引導觀眾重新省思信仰、空間與權力之間的交纏結構。

展覽亦推出暑期影像教育活動，從逐格動畫到圖像拼貼，延伸影像作為思辨與感知的公共工具。這些工作坊與教育計畫不僅深化影像理解，也呼應策展初衷——如國美館館長陳貺怡所言：「攝影不僅是一種凝視方式，更是我們重新認識世界的切入點。」

文化部長李遠於展覽序言中所述：「攝影作為觀看世界的方式，使我們重新思索並關注周遭的變動與困境。」《虛空之境》所構築的，不僅是影像的展示場，更是一處沉思與定位自身的空間。

展覽的深處，一幅平凡地景中那幾道道路標線與箭頭，彷彿靜靜閃爍著提問的微光。那既非起點也非終點，而是一個等待觀看者進入、傾聽與回應的場所：我們，是否真正與這片土地相遇過？